Dan Flavin (1933-1996) es uno de los artistas mas influyentes del arte contemporaneo. Fue el primero que se atrevió a utilizar la luz artificial sin ninguna pretensión conceptual mas que la creación de atmósferas únicas.

Es considerado uno de los principales exponentes de arte Minimalista y su obra inspira a muchos artistas que utilizan la luz como material para sus obras.

Inicios

Dan Flavin se formó como artista mas bien de manera autodidacta. Realizó estudios en climatología y sirvió como observador meteorológico en la guerra de Corea (1954.1955). Estudió brevemente Historia en 1956 en la ‘New School for Social Research’ y luego artes por tres semestres en la Universidad de Columbia.

A principios de los años 60 Dan Flavin re-descubre la luz de una nueva forma. Comienza a realizar instalaciones con tubos fluorescentes comunes, modificando espacios arquitectónicos con los más disímiles diseños de colores y disposiciones, y creando atmósferas de inmaterialidad.

En 1961 hace su primera exhibición en la Galería Judson. El mismo año que crea su primera obra con luz eléctrica, que denominaría ‘icons’. Línea que seguiría en una serie de trabajos hasta 1963.

Gregeens crosing greens (to Piet ondrian who lacked green) , 1966 © 2009 Stephen Flavin – Artists Rights Society (ARS), NY, photo: David Heald

Material de trabajo

El trabajo de flavin se basa en la utilización de piezas fluorescentes, un producto paradigmático de nuestra sociedad altamente industrializada.
A través del uso de estas estructuras producidas en masa, Flavin busca negar a la luz cualquier significado trascendental, pero también negar la simple función utilitaria al convertirla en piezas únicas que van transformando el espacio.

Flavin fue poco a poco siendo considerado dentro de los grandes del arte Minimalista. Se une a esta definición básicamente por la reducción de sus dispositivos formales, y por su énfasis puesto más en lo racional y serial que en las formas gestuales, y en lo fenomenológico más que en los resultados simbólicos o narrativos.

Dan Flavin – Monuments for V.Tatlin exhibition  1984 – MOCA (Museum of Contemporary Art, Los angeles)  -  39 fluorescent light scptures

La idea de serialidad, un concepto fuerte en la obra de Flavin viene debido a la reducida gama plástica de cuatro largos básicos en los tubos fluorescentes: 66, 132, 198, y 264 cm.; y nueve colores posibles: azul, verde, rosa, rojo, amarillo y cuatro variantes de blanco.

En su minimalismo visual, las piezas incitaban a la contemplación y reflexión sobre la luz como experiencia puramente estética, sin otra conexión o asociación conceptual aparente. Aunque muchas de las obras se presentan como homenajes que Flavin dedicó a artistas contemporáneos y predecesores modernos que el admiró.

The Dan Flavin Art Institute – Bridgehampton © photo: Florian Holzer

Obra

En 1984 Flavin consagra su trabajo al crear ‘The Dan Flavin Art Institute’, Una pequeña casa que contiene hasta ahora una colección permanente de nueve trabajos creados por Flavin entre 1961 y 1981, asociados directamente al espacio arquitectónico como un todo indisoluble. La casa también mantiene también hasta ahora una galería para exhibiciones itinerantes.

Algunas de sus obras más paradigmáticas se encuentran en la Fundación Chinati, creada por Donald Judd en Mafa, Texas. Dentro de la cual se encuentran una de las mejores colecciones del arte Minimalista.

ultitled (to Tracy, to celebrate the love of a lifetime , 1992 © 2009 Stephen Flavin – Artists Rights Society (ARS), NY, photo: David Heald *  (Dan Flavin realizó su 2do Matrimonio en el Guggeenhem de NY ) ref: NYTimes

Otros trabajos están repartidos por diferentes galerías. Una de las que más trabajos tiene es la Dia Art Foundation, seguida por el Guguenheim de Nueva York.

“Flavin es un artista que dialoga con una entidad de índole metafísica. Mira hacia algo intangible, siente con fuerza la necesidad de lo Absoluto. Creo que en su trabajo esta búsqueda se hace muy clara, muy fuerte [..] En Flavin el límite de la materia se supera con la luz”

“Y es,[...] un arte tan plano, tan abierto, tan directo, como nunca encontrarán”

galerías & referencias

http://www.davidzwirner.com/danflavin

http://www.chinati.org/

http://www.diacenter.org/sites/main/58

http://www.guggenheim.org/new-york/collections/danflavin

http://www.moca.org/library/archive/exhibition/detail/1984/flavin

http://www.moma.org/collection/browse_results.php?object_id=81337

http://www.tate.org.uk/servlet/ViewWork?workid=4484&roomid=2773

http://www.mcachicago.org/exhibitions/exh_detail.php?id=11

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Tras haber ocurrido el terremoto en Haití y en Chile, se hace tremendamente relevante hablar de una organización que hace mas de 10 años viene cambiando la forma de hacer arquitectura. Se trata de Architecture for Humanity, una organización ya conocida por muchos que se destaca por su capacidad de reacción ante situaciones de emergencia como la que está pasando Chile en estos momentos.

Architecture for Humanity es principalmente una red creada por un soñador llamado Cameron Sinclair, que como muchos otros, vio que el resto del mundo requería de buena arquitectura para solucionar problemas sociales. En el transcurso del tiempo Cameron fue motivando a personas, moviendo campañas y muchos recursos monetarios para poder generar soluciones básicas: energía, sanitarios, refugios, escuelas que se enfrentan a los desafíos de culturas en conflicto, con urbanización descontroladas o en estado de catástrofe.

Si conocen las charlas TED, probablemente habrán visto la charla que le valió llevarse el TEDprize del año 2006, un galardón no menor tomando en cuenta la talla de las personas que se mueven en aquel circulo de elite. Con el solo hecho de decir que su charla debió extenderse más allá de los estrictos 20 minutos que establece TED.

Pero Architecture for Humanity no es mucho sin su idea de colaboración y de la arquitectura OpenSource (código abierto). Se trata de Open Architecture Network. Una plataforma web creada con el apoyo de Sun, pensada para ser un espacio de colaboración entre arquitectos de todas partes del mundo con promotores de proyectos específicos que los llevan a la realidad. Esto ha cambiado radicalmente la manera de hacer arquitectura, desde siempre la existencia de una cabeza maestra en un estudio es la regla. Es uno de los pocos lugares donde se genera arquitectura colaborativa y horizontal. Cualquiera puede entrar, registrarse y empezar a colaborar.

En este momento se requiere llevar a la práctica esos diseños simples pero muy concretos como los que circulan en Open Architecture Network, respaldado por todo el soporte humanitario que puede ofrecer esta organización (u otras). Chile en estos momentos esta necesitando refugios y viviendas para su reconstrucción, por mas que existan otras organizaciones de emergencia, creo que esta es una de las que vale la pena apoyar.

link:  architecture for humanity + chile

http://openarchitecturenetwork.org/

Desde el lanzamiento hace 3 meses hasta hoy, arqshow ha sido una tribuna para obras que se alejan de la disciplina arquitectónica tradicional y que se asocian mas a la idea de producto experimental, en donde nuevos materiales y nuevas formas de relacionarse con la ciudad van empujando los limites de lo que creemos que es posible construir.

También arqshow está explorando las ideas detrás de los fotógrafos más estimulantes tanto visual como intelectualmente. Presentar el trabajo fotográfico tiene dos razones fundamentales. La primera es el placer estético que producen las imágenes, pero lo segundo -y más importante- es la relación que establece el fotógrafo con la realidad, con la ciudad, con el mundo en que vivimos. Es interesante calar a fondo en este aspecto ya que muchas veces pasamos por alto esto y nos quedamos sólo con lo primero (que es más fácil de digerir).

Fotógrafos como Michael Wolf, por ejemplo, nos muestra un Chicago eminentemente espectacular, con imágenes muy potentes, pero mas allá de eso, es crítico citar que el poder de las imágenes de Wolf radica en que son un retrato de de todos nosotros, de todas las personas que vivimos en la ciudad.

No es tan solo esa búsqueda superficial en torno a las imágenes potentes. En el caso de las instalaciones de arquitectura, la potencia de estas radica en la experiencia. Tal vez desde lejos nunca podremos vivir las obras, pero al menos podemos capturar de alguna forma el sentido de esta. Lo interesante de estas obras es la relación directa con la tecnología, que obliga a explorar otros campos del diseño y la informática para lograr resultados más allá de lo realizado hasta hoy.

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Nos gustaría poder recibir cualquier tipo de feedback o pregunta, ya sea aquí o via twitter   @arqshow.

El 20 de frebrero, en 200 ciudades del mundo, se dará la partida a el primer Pecha Kucha global, destinado a ayudar a los afectados en Haiti.

PechaKucha es un formato de charlas que da un espacio 20 segundos por 20 imágenes, que da la oportunidad a artistas, diseñadores, arquitectos y cualquier persona que quiera presentar y compartir algún trabajo creativo. La red PechaKucha nació en Tokio hace 7 años, de la mano de los arquitectos Mark Dytham and Astrid Klein y se ha extendido por el mundo a tal nivel que casi todos los días hay uno en una ciudad del mundo.

Pero esta vez es diferente. Tras la catástrofe de Haiti, el genio tras la ONG Architecture for Humanity, Cameron Sinclair, motivó a los organizadores a hacer un llamado global, un evento paralelo sin precedentes. Asi que estén al tanto en su ciudad el día 20 de febrero, en donde serán 20 imágenes, 20 segundos, 200 ciudades, 2,000 presentaciones, y alrededor de 200,000 personas en torno a una sola causa.

http://www.pecha-kucha.org/pechakucha-for-haiti

Fragmented Cities © Alejandro Cartagena 2006-2009

Alejando Cartagena (1977) es un fotógrafo dominicano que últimamente ha capturado diversas capas de la cambiante realidad Mexicana.  Suburbia Mexicana son varias series de fotografías que muestran la vida y las ciudades de México en un estado de crecimiento permanente, gracias a las políticas neoliberales que gobiernan el sistema.

Fragmented Cities © Alejandro Cartagena 2006-2009

Esta serie se denomina ‘Ciudades Fragmentadas’ y muestra la urbanización repetitiva de los suburbios del Área Metropolitana de Monterrey. Más allá de el patrón repetitivo y colores terraneos típicos de México (que me recuerdan esos interiores de Barragan), el tema preocupante es la desconexión con la ciudad y con el sentido de vivir en comunidad. Este tipo de construcciones son el reflejo de una demanda constante y una política errónea. Cartagena nos cuenta que más de 300.000 nuevas casas se han construido bajo una política de baja regulación, muchas de ellas fuera del area metropolitana de los planes urbanos, es decir, suburbios rurales.

‘Urban Holes’ series © Alejandro Cartagena

Dentro de ‘Suburbia Mexicana’, hay otra serie de Cartagena que captura los vacíos urbanos dentro de las ciudades, espacios abandonados o de demoliciones. Un ideal que pareciera tener coherencia pero que finalmente los hechos hablan de una constante contradicción.

‘A Simbolic Layer’ series © Alejandro Cartagena

Es propio de la realidad latinoamericana que ciertas cosas no cuadren o queden siempre a medias, aveces es entendible. México refleja a muchas ciudades que viven dentro de políticas dispares. Ni hablar de las desigualdades económicas (que son extremadamente fuertes en México) y que obviamente se ven traducidas a la ciudad.

‘Lost Rivers’ series © Alejandro Cartagena

Pero México siempre ha sido el icono de una fuerza cultural potente en constante dialogo con las promesas de progreso provenientes desde el Norte, muchas de ellas insostenibles. En ‘lost rivers’, Cartagena muestra ríos urbanos casi secos por la demanda de las industrias y la necesidad de agua de toda la población. Algo realmente triste de ver si se considera en paralelo a toda la serie de imágenes, causa y efecto de diversas manifestaciones de un desequilibrio generalizado.

más imágenes:

http://www.alejandrocartagena.com

portada : Chicago © Adam Broomberg y Oliver Chanarin

Hace un tiempo los fotógrafos Adam Broomberg y Oliver Chanarin publicaron un libro llamado Chicago. Cualquiera pensaría que se trata de un libro sobre de la gran ciudad de los rascacielos. Sin embargo Chicago es un libro sobre una pequeña villa falsa, construida para el entrenamiento militar en el desierto de Negev, en EEUU.

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Cuando Baudrillard se cuestionaba los simulacros, simultaneamente se cuestionaba seriamente lo que entendemos por ‘realidad’. Esta connotación no se refiere a la realidad en términos materiales, si no mas bien en un área conceptual y de las ideas.

Last stop before deployment  © NYTimes

Mucho se ha hablado de los espacios de ficción en donde se produce la televisión y el cine, aquellos sets que logran una calidad superior a las condiciones naturales. Pero los espacios de simulacro apuntan a algo distinto. Los simulacros tienen un problema, nunca existirá un grado de simulación a cabalidad, siempre se requerirán elementos reales y las consecuencias de los simulacros se extienden en una cadena de sucesos más allá de la simulación.

Es lo que ocurre también en ‘Last stop before deployment’, una serie de imágenes revelada por el ny times, en donde se muestra a un campo de simulación de guerra en eeuu, que intenta replicar con la mayor exactitud posible un escenario del medio oriente y poder así preparar a aquellos jóvenes guerreros que nunca han estado en un campo de batalla.

Chicago © Adam Broomberg y Oliver Chanarin

Una batería de elementos ‘detrás de cámara’ hacen funcionar todo el aparataje de guerra. Muchos actores y muchas réplicas. Las balas no son reales pero las historias si. Tal vez muchos creerán que el drama no existe, pero no hay que estar tan seguro.

Este es un tema que me fascina en particular. A veces pienso que los escenarios falsos y de simulación existen sin pensarlo en muchas ciudades en encrucijadas culturales, entre lo nuevo y lo viejo, entre oriente y occidente, etc.

Chicago © Adam Broomberg y Oliver Chanarin

Chicago © Adam Broomberg y Oliver Chanarin

Las imágenes de ‘Chicago’ muestran a un escenario fantasma, en donde lo único que se encuentra es desolación, entre muros y pasillos con una sensación desértica.

El tema de los escenarios de Chicago apunta al conflicto entre Palestina e Israel y la capacidad de que una guerra sea más que algun evento pasajero, sino una historia de toda una vida.

Chicago © Adam Broomberg y Oliver Chanarin

El rol que juegan este tipo de simulaciones tiene que ver con la incidencia de estos sobre el futuro inconsciente de aquellas “ocupaciones territoriales”. Como dicen los autores “todo lo que ha ocurrido, ha ocurrido antes aquí”, en Chicago.

Chicago © Adam Broomberg y Oliver Chanarin

http://www.nytimes.com/interactive/2009/11/29/us/20091129-POLK/index.html

http://www.nytimes.com/2009/12/21/world/asia/21civilian.html

http://www.amazon.com/dp/3865213073/

Nakagin Capsule Tower – Kisho Kurokawa ©  imagén : Kim Erlandsen – flickr

Recuerdo varios años atrás que la existencia de los hoteles capsula fue de esas noticias que llegan a todos lados, como esos datos freak de la cultura tecnologizada del otro lado del mundo.

Los hoteles capsula son propios de películas o animes de ciencia ficción, una suerte de distopia de una ciudad hiperdensa, donde el concepto de hogar se ve reducido a unos escasos metros cúbicos. Una vida completamente solitaria, alienada del resto de las personas en un afán netamente funcional. Un concepto que de alguna forma se ha transmitido a esencia de los departamentos actuales en todo el mundo, considerando siempre la máxima rentabilidad por el espacio.

Montaje de la  Nakagin Tower en 1979 ©

Los hoteles capsula son mas que nada una pieza de diseño montada como sifuese arquitectura. Vivir inmerso en un objeto más que en un espacio construido.

Una aproximación que  revitaliza la imagen de las capsulas es el trabajo  “9 horas” de Fumie Shibata de la firma “design studio S”. Un ejercicio meticuloso y hi.tech que fue montado primero a modo de exhibición y luego construido en Kioto. Mirándolo sólo como proyecto, resulta ser algo refinado e inusual, pero es sólo como algo digno de probar por una noche , una ‘experiencia distinta’ que cuesta alrededor de 4700 yen.

9h hotel  en Kioto – Design Studio S ©  imágen: Akihiro Yoshida – 2009

Actualmente, para algunas personas, esta forma de vivir es una realidad diaria y totalmente diferente. En Tokio o Osaka,  cuidades tremendamente caras, un cubículo de plástico parece ser esa suerte de “solución provisoria” que se vuelve permanente al no mejorar la situación económica.

la vida en un hotel capsula © imágen: Ko Sasaki para The New York Times

Según el NY times, existen unos 15.800 personas que viven en la calle en Japón, pero esta cifra aumentaría considerablemente si se  considera a la gente que vive en estos hoteles  capsula y otro tanto que vive vagando por ciber-cafés o sitios que están las 24 horas abiertos en una ciudad que no duerme.

Estos hoteles capsula representan para algunos una experiencia puntual, algo que hay que probar al menos una vez, como probar un gadget nuevo, pero para muchos otros, son la esencia pura de la vida actual,  una vida ‘provisoria’ e incompleta que se vuelve permanente con el pasar del tiempo.

Más imágenes:

http://www.nytimes.com/2010/01/02/business/global/02capsule.html

https://9hours.jp

http://www.designboom.com/weblog/cat/9/view/8111/9-h-nine-hours-capsule-hotel-in-kyoto.html

http://www.designboom.com/weblog/cat/9/view/6972/kurokawas-capsule-tower-demolition.html

The Bug Dome ,2009 © imágen de : Nikita Wu & Marco Casagrande

The Bug Dome es uno de los proyectos más simples en términos técnicos pero el que más preguntas genera hacia su contexto dentro de la Bienal de Shenzhen 2009.

WEAK! architects’ fueron los encargados de diseñar esta estructura hecha de bambú. WEAK! es un colectivo creado por  Hsieh Ying-Chun, un arquitecto Taiwanes conocido por su filosofía de la arquitectura como activismo social. También participaron Roan Ching-Yueh, un curador Taiwanes lidiando con temas parecidos y Marco Casagrande, un arquitecto Finlandés interesado en ecologías estructurales y cualquier tipo de nuevas teorías de construcción ligado a lo espiritual.

The Bug Dome ,2009 ©imágen de : Nikita Wu & Marco Casagrande

El proyecto esta realizado en un terreno baldío entre el ‘Shenzhen City Hall’ y un campamento de trabajadores ilegales  (la mayoria de los trabajadores que migran del campo no tienen el permiso para trabajar en la zona económica especial de Shenzhen) . El diseño está inspirado en los insectos. Los métodos de construcción en bambú están basados en el conocimiento local de Guanxi rural.

El espacio es utilizado durante la Bienal para bandas independientes, lectura de poesía, discusiones, karaoke y como un salón para trabajadores ilegales. La estructura ofrece sombra, un escenario y una fogata.

The Bug Dome ,2009 © imágen de : Nikita Wu & Marco Casagrande

No es la clásica aproximación a lo pintoresco y vernacular cómo si fuese un residuo de lo no civilizado. Es un proyecto que negocia seriamente con lo que sucede a su alrededor. Si le preguntas a algún trabajador de oficina, sentado en su escritorio en uno de esos edificios de Shenzhen, de seguro le resultaría agradable pasar un buen rato en el bug dome. Incluso podría ser un tiempo productivo si estuviese conectado.

The Bug Dome ,2009 © imágen de :Nikita Wu & Marco Casagrande

Pero esta estructura no es una respuesta válida a otros problemas de sobrepoblación y de hiperdensidad dentro de China. Es la excepción que confirma la regla.

“El capullo es un refugio débil para el hombre moderno, para escapar de la fuerza del urbanismo explosivo en el corazón de Shenzhen. Es un refugio para proteger los insectos industriales de los elementos de lo no-natural”

The Bug Dome ,2009 ©imágen de: Nikita Wu & Marco Casagrande

“Cuando el fuego es una sociedad esta nace de nuevo. Uno tiene que tomar la libertad de viajar cien años atrás para darse cuenta que las cosas son lo mismo.   Dejar que todo lo que ha sido planificado se vuelva verdad.

Déjalos creer. Y luego déjalos reírse en sus pasiones. Porque lo que ellos llaman pasión en verdad no es alguna energía emocional sino solo una fricción entre sus almas y el mundo exterior.

Y lo mas importante: déjalos creer en si mismos. Déjalos ser indefensos como los niños, porque: la debilidad es una gran cosas y la fuerza es nada.”  “Stalker”, Anrei Tarkovsky .

Más Imágenes:

Más fotos: flickr de Nikita Wu

Artículo de  Robin Peckham : ” Architecture of the weak! “

Bi-Bienal de Shezhen y Hong-Kong

Lo que me gusta de las bienales como la de Venecia, es cómo la arquitectura es sólo un recurso mas en torno a la experimentación y el arte, dentro de un contexto de celebrar la ciudad y lo que se piensa sobre ella y su relación con el mundo.

La manera de mostrar cada visión se traduce en trabajos visuales como imágenes o video hasta otros más físicos, desde los pabellones hasta instalaciones, intervenciones y workshops.

Eggs of the City, by Standard Architecture ,  Plaza Civica de Shenzhen.

Esta es la tercera edición de la bi-bienal desarrollada en conjunto entre las ciudades de Hong Kong y Shenzhen, en China, están unidas bajo el tema de la “Movilización de la Ciudad”, pero operando de manera independiente.

Dongmen, Shenzhen, 1980,  Foto por Leroy W. Demery, Jr.

Para entender un poco esta bienal hay que entender el contexto de cada ciudad:

HK por un lado fue una colonia de UK hasta 1984, y ahora es una “Region administrativa especial“, lo que quiere decir que es un mini pais capitalista dentro de la China comunista, el puente económico por naturaleza hacia occidente.

Shenzhen es otro cuento, desde 1980 fue declarada la primera zona económica especial de la República de China, lo que hizo que la ciudad fuera un atractor potente para la gente del campo y para empresas trasladadas desde Hong-Kong con aspiraciones económicas hacia el resto del mundo. Shenzhen pasó de ser una villa de pescadores de 20,000 habitantes a una ciudad de 8,6Millones . Es la ciudad con el mayor crecimiento en China  en tan solo 30 años.

Avenida Shernnan -  Shenzhen en 1981

Shenzhen y HK están relativamente cerca, y sus sistemas hacen que haya una estrecha relación entre ambas.Si se unieran, serían la conurbación numero 3 en términos de PIB detrás de de NY y Tokio.

El tema de la transformación es clave en estas ciudades. Para occidente si ya China parece extraña, la velocidad de los cambios de Schenzen y HK han sido altamente volátiles y más extraños aún. Yo las veo como ciudades experimentales, el futuro de China esta ocurriendo ahí.

Medular pavilion /  Maurer United Architects ./ Plaza Civica de Shenzhen.

La exhibición en Shenzhen se desarrolla con trabajos de 64 artistas, diseñadores, arquitectos, y equipos colaborativos.  La bienal ocupa tres grandes lugares: La plaza Civica de Shenzhen, con su espacio de exhibición gigante y una estructura  hecha por un arquitecto Japonés desconocido. La Avenida Shenzhenwan, un paseo peatonal que combina residencia, comercio y cultura; y la Yitian Holiday Plaza, un centro comercial.

Urban oasis -  Studio Pei-Zhu

Mientras que curatorialmente Schenzen lidia con el tema de la historia y su relación con el resto de China (tradición y agricultura), la parte de Hong Kong está interesada en la sustentabilidad y temas atingentes a las grandes ciudades del mundo moderno.

El lema de Hong-Kong, Bring Your Own Biennale (BYOB), es un término altamente anglosajón. Su etimología se asocia a llevar nuestro propio trago (alcohol) a cierto lugar como un restaurant. En el fondo, tiene que ver con que la calidad de la fiesta depende tanto del anfitrión como de los invitados.

21 de Diciembre – Waterfront Conversations – Hong Kong – BYOB

En general, las bienales han servido como carta de presentación de las ciudades. El modelo de Venecia ha sido replicado por todas partes del mundo, pero esta joven bienal pretende diferenciarse de las demás al considerar la estrategia de 2 ciudades y un solo tema; y por presentar trabajos  fáciles de entender para la gente común y corriente , colocados en un espacio abierto al público gral   (a diferencia de otras bienales mas sofisticadas donde se asume que la gente no sabe nada de arte y hay que ‘educarla’) .  En sí, esta relación bottom-up del gobierno y las personas parece ser algo nuevo dentro de la política China.

Pero mas allá de todo, creo que el tema central de la bienal, CITY MOBILIZATION apunta a una agenda del Gobierno de unir las dos ciudades en un área metropolitana a futuro. Nada es casualidad, y este tipo de mega eventos permiten potenciar la macro-ciudad como marca a nivel mundial mientras se piensa de verdad acerca de su futuro, por un lado hacia su relación política económica con la China ancestral por el lado de Shenzhen y por otro, Hong Kong pensando en como sustentar una macrociudad posible moderna en el futuro.

video 1: intro de Shenzhen.

video 2: intro de hong-kong

más imágenes y posters:

webs oficiales:

hkszbiennale.org/en

www.szhkbiennale.org/en

Fotos

movingcities.org/movingmemos/szhkbiennale-opening-day/

www.designboom.com

www.wallpaper.com

www.dezeen.com

videos

vimeo.com

youtube.com

artículos:

http://www.guardian.co.uk/artanddesign/2009/dec/15/shenzhen-architecture-biennale-china-art

http://www.abitare.it/featured/saluti-da-shenzhen-3/langswitch_lang/en/

http://www.fastcompany.com/article/architecture-and-designs-new-hot-spots-hong-kong-and-shenzhen?partner=rss

Crane Room project  © Aristide Antonas

No suelo presentar proyectos aun no construidos, pero el trabajo de Antonas es totalmente distinto. Descubrí a este arquitecto Griego hace algun tiempo a traves de dpr barcelona, pero no me habia animado a hablar sobré el.

Viendolo solo superficialmente,  la representacion ya es algo extraña. No son proyectos que se vayan a construir, son principalmente ideas y metaforas acerca de como vivir (en un sentido apmpio).

Cuando el trabajo de Antonas fue presentado en el blog ‘archdaily‘, sucitó muchas criticas, y eso me llamó poderosamente la atención; una discusión cruzada entre cuestionar la estetica y la funcionalidad dura ante otros que celebraban el caracter distopico y experimental que transmitían las imágenes.

Crane Room project  © Aristide Antonas

Los llamados arquitectos de papel (o mas bien de pixeles) suelen romper reglas. Aveces los trabajos no tienen un desarrollo extensivo,  pero lo que importa es lo que hay detrás de cada imágen, y como de manera tal vez intencionada las fotos no tienen una calidad espectacular, tan agradable visualmente (esto puede ser chocante para muchos acostumbrados a los deslumbrantes renders) .  A mi me recuerda mucho a estética que usa  paisajes emergentes,  una calidad cuasi-retro que inevitablemente tiende a destacar en el contexto de hoy.

Crane Room project  © Aristide Antonas

Pero volviendo al proyecto en si, Antonas hace una aclaración en su blog luego de las duras críticas y destaca lo que de verdad intentó decir con el proyecto:

“El proyecto crane-room fue propuesto a través de una doble estrategia de reuso de los mecanismos de las grúas.

El primer elemento de esta estrategia sigue la racionalidad de los espacios móviles, como el hotel-bus, the keg apartamentent y la habitación flotante, que son parte de una larga investigación acerca de las viviendas nómadas, reinterpretando antiguos vehículos existentes o partículas mecánicas de un pasado reciente.

proyectos nómades  © Aristide Antonas

El proyecto también propone un comentario acerca de la sociedad Internet, representando en un proyecto paisajístico algo extrañamente familiar: una imagen concreta de esta condición social que la humanidad experimenta por primera vez en la historia: El paisaje de grúas es una imagen bien conocida . Vivimos en una especia de paisaje que aun siendo el mismo paisaje parece ser exótico; habitando una “célula-panel de control” el habitante del globo puede también ser concebido como un habitante de un universo pequeño y restrictivo. A través de esta idea de una construcción social distorsionada, el conjunto habitación grua se relaciona con otros viejos proyectos como ‘no wall house’, the open air housing, the night shelters, the concrete beds or the RealFake house 2″

dibujo preeliminar / Crane Room project  © Aristide Antonas flickr

“..Diseñar es menos importante que la arquitectura de una construcción narrativa; la reutilización de estructuras existentes es usualmente importante.  Una arqueología de una tecnología elemental existente y la reinterpretación de esta de maneras inesperadas son cruciales dentro del proceso de diseño. Diseñar en algunos de los ejemplos es un proyecto curatorial que orquesta las cosas existentes”

www.aristideantonas.com

http://antonas.blogspot.com/2009/05/crane-conflict.html